Chris Marker videoartista

Es curioso cómo, en un margen de tiempo relativamente corto, hemos tenido la oportunidad de ver en Madrid dos más que interesantes exposiciones sobre el videoarte, el concepto de manipulación de la imagen y el arte en movimiento.
La primera se inauguró en noviembre de 2006 en el Museo Nacional Reina Sofía y tenía el título de Primera generación.Arte e imagen en movimiento 1963-1986, e intentaba acercar al espectador, a través de algunos de los artistas fundamentales (Bill Viola, Ana Mendieta, Hannah Wilke, Nam June Paik, Gary Hill, Vito Acconci, etc...), a la evolución del formato vídeo desde su finalidad inicial como forma de almacenamiento y transmisión de información, hasta la utilización del formato no como un fin, esto es, mostrar la imagen tal y como es, sino como un medio para manipular la información y lograr trascender el sentido original de la imagen, que adquiere su verdadera significación en conjunción con la instalación en la que está inserta.
La segunda, que está a punto de terminar (finaliza el 20 de mayo) en la Fundación Telefónica, se denomina Nam June Paik y Corea : De lo fantástico a lo hiperreal, y traza un recorrido sobre la obra de Nam June Paik, desde sus colaboraciones con John Cage y Merce Cunningham en plena era Fluxus hasta la introducción del pensamiento tradicional coreano en un entorno plenamente occidental en el que se funden conceptos Zen, pensamientos capitalistas, y estéticas cercanas al underground neoyorquino de finales de los 70, pasando por sus maravillosos robots construídos a partir de viejas radios y televisores.

Así que, aprovechando este resurgimiento del videoarte, he decidido repasar alguno de los trabajos multimedia de un director, Chris Marker, que ha aparecido ya por aquí alguna que otra vez (Andrei Arsenevich, Nuit et brouillard, La Jetée).
Hombre polifacético como pocos, denominado por Roger Tailleur como "cazador de imágenes, viajero meditativo, ciudadano del mundo que se expresa en francés,(...) documentarista musical e idealista dialéctico", Chris Marker es mayoritariamente conocido por haber dotado de una nueva significación formal a la tradicional foto-novela gracias a su obra mundialmente reconocida "La Jetée". Pero más allá de su trabajo en cine, intenso y radical en la búsqueda de la fusión de la ficción y el realismo documental, en una constante reinvención del lenguaje cinematográfico y audiovisual, existe un trabajo que no abarca sólo imagen, sino también interactividad del espectador, que encuentra su lugar en las salas de exposiciones y los museos más que en las salas de cine.

Silent Movie
Esta instalación, presentada en el marco del centenario del cine, entre enero y abril de 1995, en el Wexner Center For The Arts de la Universidad de Ohio State en Estados Unidos, consta de una torre de cinco monitores apilados en los que son proyectadas cinco secuencias de 20 minutos (The Journey, The Face, Captions, The Gesture y The Waltz). La instalación es completada con la proyección de 18 diapositivas en blanco y negro, 10 posters de películas y un conjunto de piezas de piano de aproximadamente una hora de duración, como fondo sonoro, denominadas The Perfect Tapeur. Se podría decir que la finalidad de la obra es una reorganización sensorial y para ello cada uno debe encontrar la unión perfecta entre cada una de las piezas de la obra, puesto que el espectador puede acercarse a ver una diapositiva mientras escucha un determinado sonido, y luego puede observar las imágenes de los monitores y a continuación rodear la torre y acercarse a ver los posters, y es en ese orden determinado por cada espectador donde la obra toma su verdadero sentido. El azar consigue la yuxtaposición de los sentidos que conforman el espacio personal de cada uno.
Aunque carece del sentido completo de la obra, aquí podemos ver dos fragmentos de lo que se proyectaba en uno de los monitores de la instalación, que pudo verse en España gracias a la exposición itinerante de la obra de Marker que recaló en Castellón en 2001, concretamente en el Espai D'art Contemporani de la ciudad.
Silent Movie Edit 2 Parte 1

Silent Movie Edit 2 Parte 2

Matta '85
Esta pieza, filmada en vídeo, se proyectaba como parte de la instalación multimedia interactiva Zapping Zone (Proposals for an imaginary television) 1990-1997 que estaba constituida por una videoinstalación, una parte interactiva en cd-rom y diez fotos de 40x50 cm. Para llevar a cabo la obra, Chris Marker contaba con un ordenador Apple, 12 discos láser, 2 cintas U-matic, 12 reproductores de laserdisc, 1 reproductor U-matic, 13 monitores, un reproductor de sonido y un mando a distancia. Así, Zapping Zone se dividía en diferentes partes denominadas por Marker como Zonas (Zones): Zone Matta, Zone Christo, Zone Tarkovski, Zone Clip, Zone Frisco, Zone Sequences, Zone Eclats, Zone Bestiaire, Zone Spectre, Zone Tokyo, Zone Berlin, Zone Photos y Zone Tv, cada una de las cuales estaba formada por proyecciones de obras en vídeo realizadas por Marker entre 1985 y 1990 así como por alguna pieza confeccionada a partir de montajes de sus obras cinematográficas. Dado el carácter complejo e itinerante de la obra, la instalación sufrió diversas modificaciones, añadidos, remontajes de diversas piezas, sustituciones, etc... desde su creación inicial en 1990 para la exposición Passages de l'image que tuvo lugar en el Centro Pompidou de París hasta su finalización en 1997.
La instalación Zapping Zone, ya desde su nombre alude al carácter de obra desbordante de imágenes y sonidos con los que el espectador es en un primer momento aturdido, pero que busca, como en la obra anteriormente comentada, Silent Movie, que el observador haga su propia selección de sensaciones e imágenes a partir de ese supermercado audiovisual, y contruya su Zona personal y única haciendo "zapping" con el material de Marker.
Volviendo a la pieza del título, Matta es un acercamiento en clave documental a la figura de Roberto Matta con la excusa del recorrido por una exposición del artista.
Matta '85 Parte 1

Matta '85 Parte 2

Tarkovski '86
Esta es otra de las piezas de la instalación Zapping Zone. Anterior al retrato documental de 1999 Un día en la vida de Andrei Arsenevich, comparte con él el respeto y la admiración por su amigo el director Andrei Tarkovski, y condensa en 26 minutos fragmentos de la vida y la obra de un personaje en constante lucha consigo mismo y la dificultad para sacar adelante obras como Sacrificio.
Tarkovski '86 Parte 1

Tarkovski '86 Parte 2

Tarkovski '86 Parte 3


Para finalizar este (primer) acercamiento a la obra multimedia de un gran desconocido para la mayoría, recomiendo la lectura de la obra Mystere Marker. Pasajes en la obra de Chris Marker editada en 2006 por Maria Luisa Ortega y Antonio Weinrichter con motivo del Festival Intenacional de cine de Las Palmas, del que he extraído valiosa información y que sirve para entender una obra tan fascinante como extensa, de un hombre cuya biografía es tan misteriosa y abstracta como su obra.

Palimpsesto

Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, palimpsesto (que proviene de la voz griega παλίμψηστος cuyo significado es borrado nuevamente) es un manuscrito antiguo que conserva huellas de una escritura anterior borrada artificialmente. En pocas palabras, reciclaje de papel en el siglo VII.
¿Y ésto qué tiene que ver con la música? Pues viene a cuento porque los ingleses se han inventado un festival, el Palimpsest Festival, que se desarrolla en un solo día en Cambridge, concretamente en una iglesia situada en Jesus Lane llamada All Saints Church. ¿Y qué se puede encontrar uno en un recinto como éste? En palabras del propio festival, éste se define a sí mismo como "An all day event of new music and outsider folk sounds". O sea, tipos raritos retorcidos sobre sus intrumentos, mantras hipnóticos, cantantes folk que parecen salidos de la campiña inglesa de hace un par de siglos, y momentos de ruido descontrolado. Ah, y posiblemente uno de los mejores "bateristas" del mundo actualmente, Chris Corsano.
Así que, visto lo visto, habrá que pasarse por allí, porque la experiencia tiene pinta de ser bastante, bastante curiosa...
Haeti (Palimpsest Festival 2006)

Alasdair Roberts - Willie Leonard (Palimpsest Festival 2006)

Chris Corsano (Palimpsest Festival 2006)

Directing Hand (Palimpsest Festival 2006)

Una jam session vespertina

Inmerso en la lectura del libro Talking Music. Conversations with John Cage, Philip Glass, Laurie Anderson, and Five Generations of American Experimental Composers (William Duckworth, Da Capo Press) he descubierto a Pauline Oliveros, una tejana de 74 años que ha dedicado toda su vida a la búsqueda de nuevas posibilidades sonoras en el acordeón, así como al desarrollo de la improvisación en la música electrónica como forma de creación, tanto de sonoridades como de aparatos electrónicos generadores de dichas sonoridades. Así, como suena.
Y como buen improvisador/a que se precie, formó parte del San Francisco Tape Music Center, centro cultural y educacional con sede en el conservatorio de San Francisco y fundado en 1962, cuya finalidad era ofrecer un lugar para dar conciertos y enseñar las técnicas y posibilidades de manipulación de la grabación en cinta, no tanto como soporte de grabación sino como instrumento de creación, dando la posibilidad de utilizar la cinta magnética como otro intérprete más en directo. Los fundadores del centro fueron Morton Subotnick y Ramon Sender (ver imagen a la derecha), que estuvieron apoyados en uno u otro momento por gente como Terry Riley, Steve Reich, William Maginnis, Anthony Martin, y la propia Oliveros, que se convertiría en su directora en 1966 cuando el centro fue traslado al Mills College donde actualmente es conocido como Center For Contemporary Music.
Virtuosa y activista de la escucha profunda del sonido y del academicismo siempre que eso suponga que el aprendizaje mueve al alumno a ir más allá de lo aprendido encontrando su propia vía de expresión, no busca epatar ni trascender, simplemente mostrar que hay diferentes formas de composición musical.
Aquí aparece bajo el nombre de Timeless Pulse Trio junto a Jennifer Wilsey Marsh y George Marsh.
Parte 1

Parte 2

Parte 3

Películas fragmentadas, perdidas o destruídas de Kenneth Anger

Cineasta norteamericano al margen de cualquier moda, discípulo aventajado de Aleister Crowley y escritor conocido sobre todo por escudriñar las catacumbas del Hollywood clásico relatando asesinatos, perversiones, líos de faldas y de pantalones de algunos de los más importantes actores, actrices, productores, directores, guionistas y demás fauna de la meca del cine, en la forma de los dos volúmenes de Hollywood Babilonia.
La figura de Crowley, y su gran conocimiento de las magias ocultas son fundamentales en su forma de ver el cine, llegando a afirmar que ver sus películas es como acudir a ceremonias capaces de invocar fuerzas espirituales, primigenias, diríase demoníacas. "Mi razón para filmar no tiene nada que ver con 'el cine' en absoluto. Es una excusa para capturar personas... Me considero a mí mismo como un trabajador del diablo en un medio diabólico. El cine es una fuerza maligna".
Su trabajo, de carácter subversivo en muchos aspectos, es importante también en la representación y defensa del cine homosexual, no como representación de tópicos y clichés amanerados, sino como creación de una fuerte identidad homosexual que implica lucha por su reconocimiento, que implica cambios en formas de pensar adocenadas, y que implica acción en un medio que puede llegar a mucha gente.
Esa forma particular de ver el cine le llevó a a ganarse el reconocimiento de Jean Cocteau gracias a uno de sus primeros trabajos, Fireworks (1947), y a colaborar con gente de lo más dispar, desde músicos como Mick Jagger o Jimmy Page, con el que tuvo algo más que palabras debido a la grabación de la banda sonora de su película Lucifer Rising (1970-80), y cuyo trabajo terminó descartando por resultarle inservible (25 minutos de zumbidos y guitarras en reverberación permanente no era lo que se esperaba cuando pidió la colaboración del guitarrista de Led Zeppelin), hasta Bobby Beausoleil, conocido por ser integrante de la familia Manson, que llegó a aparecer en su película de 1969, Invocation Of My Demon Brother, y que terminó grabando finalmente la banda sonora de Lucifer Rising desde la cárcel en 1980.
El perfeccionismo y la búsqueda de complejidad narrativa y formal intentando superar el cine ya establecido hacen que muchas de sus obras permanezcan inconclusas, fragmentadas, en forma de retazos de narración, como ensoñaciones sin principio o sin final.

Puce Moment (1949) Duración : 6.21
Es un homenaje de Kenneth Anger, casi una carta de amor heterosexual, a sus diosas de Hollywood. Una filmación fantasmagórica del mito de Hollywood.

La Lune Des Lapins (Rabbit's Moon 1950-79) Duración : 6.52
Ésta fue la primera película de Anger desde que se trasladó a París en 1950 a petición de Cocteau. Empezada a rodar ese mismo año, rápidamente se quedó sin dinero para continuar con ella, y quedó abandonada en la Cinemateca Francesa durante 20 años, hasta que en 1972 la recuperó y volvió a editarla con una duración de 16 minutos y una banda sonora repleta de temas pop de The Flamingos, The Dells, The Capris y Mary Wells. Finalmente, en 1979 volvió a editarla, acortándola hasta los 7 minutos y con música de Andy Arthur.
El argumento es un sueño lunar que utiliza la figura clásica de Pierrot.

Kustom Kar Kommandos (1964-65) Duración : 2.31
Fragmento de un proyecto finalmente abandonado por falta de recursos y por la muerte del actor principal. Pretendía ser un conjunto de visiones oníricas del fenómeno juvenil californiano en esa época, los coches con motores customizados preparados para hacer carreras, lo que popularmente se denomina "hot-rod".

Más información en el libro Moonchild. The Films Of Kenneth Anger

Hannu - Lyhty

Paisajismo sonoro de cuerdas afiladas y teclados desacompasados que buscan un hueco entre sonidos de cascabeles y voces (?) que suenan desesperadas. Un retazo sonoro sin principio ni fin capaz de inspirar miedo y ternura simultáneamente.

Descubrimiento vía microphones in the trees! y más información de Hannu Karjalainen aquí.

Concierto de Año Nuevo

John Cage - 4' 33''

The Karen Carpenter Story (Todd Haynes, 1987)

Vayan por delante los bostezos que me provoca el cine de Todd Haynes, insufrible en ese engendro llamado Velvet Goldmine, así que no sé si esto se podría calificar como una joyita, pero tiene su punto de interés aunque sólo sea por ser una película prohibida y censurada en todas partes porque su banda sonora está repleta de canciones de los Carpenters que nunca dieron su permiso para su aparición en la misma. La película es un mediometraje de 43 minutos que aúna personajes reales (normalmente, figuras confusas vistas a través de un monitor de televisión) y muñecas barbie que funcionan como intérpretes hieráticas en un entorno de película de ínfimo presupuesto y estética "camp".

The Magic Sun (Phil Niblock, 1966)

Phil Niblock ha dedicado toda su vida a la experimentación audiovisual, tanto en la composición musical minimalista basada en drones y búsqueda de armónicos y posibilidades tímbricas a partir de un conjunto de tonos básicos, como en la filmación de cortos e imágenes que pudieran acompañar su música y la de otros autores que él admire. Su labor como impulsor de nuevos lenguajes audiovisuales se vió afianzada en 1985 al ser nombrado director de la Experimental Intermedia Foundation, con sede en Nueva York, dedicada a la difusión de este tipo de música mediante apoyo institucional a los artistas, producción de eventos, conferencias,y exposiciones así como la edición de discos en su propio sello XI, y colaboración en proyectos internacionales con países como Portugal, Alemania o Bélgica.
Este corto es un juego abstracto que parte de la imagen y la música de la Sun Ra Arkestra en directo para plasmar los intrincados recorridos del free jazz.

Consecuencias de leer durante mucho tiempo la revista Wire

Tony Conrad "haciendo música" con un rollo de película

Derek Bailey y Min Tanaka improvisando en Japón

Phil Niblock en Roulette TV

Extractos de Charlemagne Palestine al piano en el Oslo Marathon el 11 de noviembre de 2006

Six Organs Of Admittance - All you've left (Tanned Tin V)

Folk campestre casi litúrgico con reminiscencias al folk progresivo de los 60.