A veces hay cosas que se escapan totalmente a mi comprensión, y ésta es una de ellas. No entiendo cómo una película como ésta, cuyo director ganó un premio en el Festival de cine de San Sebastián del pasado 2006, con un actor protagonista, Sean Biggerstaff, más que solvente en este papel y muy superior a la media de actores que se estrenan con su primer papel principal (y conocido por su papel de Oliver Wood en la saga Harry Potter), una estética atractiva para los que les gusta la dirección artística con regusto a videoclip, y una historia aparentemente sencilla pero imaginativa, de amores y desamores en clave agridulce, pero sin caer nunca en el lagrimeo fácil de las películas de colores pastel made in Hollywood, todavía no haya sido estrenada en nuestra cartelera después de más de un año de su realización. Lo más curioso de todo es que el director, Sean Ellis, realizó un corto en 2004 cuyo hilo argumental era más o menos el mismo, con los mismos actores y el mismo título, y el corto estuvo nominado a los Óscar en el apartado de mejor corto de acción real, y ganó 6 premios entre ellos el premio al mejor corto narrativo en el Festival de cine de Tribeca. Y la película, de momento, lleva ya dos premios... Y con todo y con eso, la película está inédita en nuestras carteleras. Que sí, que los premios no son sinónimo de calidad, pero lo que está claro es que películas mucho más mediocres pueblan nuestros cines, y cuando, de repente, aparece algo que eleva un poco la media, parece que pasa totalmente desapercibido. Recomendable 100% y a ser posible, hay que intentar verla sin saber nada sobre ella (por eso no desvelo aquí nada del argumento), pero no porque sea película con sorpresa final, giro argumental, ni nada parecido, sino porque posiblemente uno la verá sin saber muy bien qué esperarse...y seguro que sale con buen sabor de boca. A colocar en la estantería al lado de algún otro ejemplo del nuevo cine británico (Ken Loach, Mike Leigh, y compañia, no necesitamos más realismo social, de verdad), original, imaginativo y de buena factura como Hot Fuzz. Curiosa escena de Cashback (Sean Ellis, 2006) con música de fondo de Bang Gang (Keren Ann es una de mis pequeñas debilidades)
Y si uno después de ver este fragmento, se queda con ganas de oír la canción completa, ahí va: Bang Gang - Inside
Acabar con los demonios y fantasmas de uno mismo es difícil, pero no imposible, aunque requiere un paso intermedio : pasar de víctima a verdugo y convertir al verdugo en tu víctima. A cambio, el laberinto sin salida se desvanece. Polish Poem - Inland Empire (David Lynch, 2006)
Nota : No es recomendable ver la escena si antes no se ha visto la película
Una de las cosas buenas que tiene la película Zodiac (David Fincher, 2007) es una banda sonora magníficamente seleccionada (incluso aunque en ella aparezca alguna que otra obviedad) que hace un recorrido por la música (popular) americana de los años 60 y 70 dando cabida al jazz (John Coltrane, Miles Davis), al country pop (Lynn Anderson), al folk (Donovan), al soul desde varios puntos de vista (Isaac Hayes, Four Tops, Marvin Gaye) al funk-rock (Santana) y al rock setentero de medio-tiempo (Three Dog Night, Stories). Lynn Anderson - (I never promised you a) Rose Garden
Santana - Soul sacrifice (Woodstock 1969)
Sly & The Family Stone - I want to take you higher
Es curioso cómo, en un margen de tiempo relativamente corto, hemos tenido la oportunidad de ver en Madrid dos más que interesantes exposiciones sobre el videoarte, el concepto de manipulación de la imagen y el arte en movimiento. La primera se inauguró en noviembre de 2006 en el Museo Nacional Reina Sofía y tenía el título de Primera generación.Arte e imagen en movimiento 1963-1986, e intentaba acercar al espectador, a través de algunos de los artistas fundamentales (Bill Viola, Ana Mendieta, Hannah Wilke, Nam June Paik, Gary Hill, Vito Acconci, etc...), a la evolución del formato vídeo desde su finalidad inicial como forma de almacenamiento y transmisión de información, hasta la utilización del formato no como un fin, esto es, mostrar la imagen tal y como es, sino como un medio para manipular la información y lograr trascender el sentido original de la imagen, que adquiere su verdadera significación en conjunción con la instalación en la que está inserta. La segunda, que está a punto de terminar (finaliza el 20 de mayo) en la Fundación Telefónica, se denomina Nam June Paik y Corea : De lo fantástico a lo hiperreal, y traza un recorrido sobre la obra de Nam June Paik, desde sus colaboraciones con John Cage y Merce Cunningham en plena era Fluxus hasta la introducción del pensamiento tradicional coreano en un entorno plenamente occidental en el que se funden conceptos Zen, pensamientos capitalistas, y estéticas cercanas al underground neoyorquino de finales de los 70, pasando por sus maravillosos robots construídos a partir de viejas radios y televisores.
Así que, aprovechando este resurgimiento del videoarte, he decidido repasar alguno de los trabajos multimedia de un director, Chris Marker, que ha aparecido ya por aquí alguna que otra vez (Andrei Arsenevich, Nuit et brouillard, La Jetée). Hombre polifacético como pocos, denominado por Roger Tailleur como "cazador de imágenes, viajero meditativo, ciudadano del mundo que se expresa en francés,(...) documentarista musical e idealista dialéctico", Chris Marker es mayoritariamente conocido por haber dotado de una nueva significación formal a la tradicional foto-novela gracias a su obra mundialmente reconocida "La Jetée". Pero más allá de su trabajo en cine, intenso y radical en la búsqueda de la fusión de la ficción y el realismo documental, en una constante reinvención del lenguaje cinematográfico y audiovisual, existe un trabajo que no abarca sólo imagen, sino también interactividad del espectador, que encuentra su lugar en las salas de exposiciones y los museos más que en las salas de cine.
Silent Movie Esta instalación, presentada en el marco del centenario del cine, entre enero y abril de 1995, en el Wexner Center For The Arts de la Universidad de Ohio State en Estados Unidos, consta de una torre de cinco monitores apilados en los que son proyectadas cinco secuencias de 20 minutos (The Journey, The Face, Captions, The Gesture y The Waltz). La instalación es completada con la proyección de 18 diapositivas en blanco y negro, 10 posters de películas y un conjunto de piezas de piano de aproximadamente una hora de duración, como fondo sonoro, denominadas The Perfect Tapeur. Se podría decir que la finalidad de la obra es una reorganización sensorial y para ello cada uno debe encontrar la unión perfecta entre cada una de las piezas de la obra, puesto que el espectador puede acercarse a ver una diapositiva mientras escucha un determinado sonido, y luego puede observar las imágenes de los monitores y a continuación rodear la torre y acercarse a ver los posters, y es en ese orden determinado por cada espectador donde la obra toma su verdadero sentido. El azar consigue la yuxtaposición de los sentidos que conforman el espacio personal de cada uno. Aunque carece del sentido completo de la obra, aquí podemos ver dos fragmentos de lo que se proyectaba en uno de los monitores de la instalación, que pudo verse en España gracias a la exposición itinerante de la obra de Marker que recaló en Castellón en 2001, concretamente en el Espai D'art Contemporani de la ciudad. Silent Movie Edit 2 Parte 1
Silent Movie Edit 2 Parte 2
Matta '85 Esta pieza, filmada en vídeo, se proyectaba como parte de la instalación multimedia interactiva Zapping Zone (Proposals for an imaginary television) 1990-1997 que estaba constituida por una videoinstalación, una parte interactiva en cd-rom y diez fotos de 40x50 cm. Para llevar a cabo la obra, Chris Marker contaba con un ordenador Apple, 12 discos láser, 2 cintas U-matic, 12 reproductores de laserdisc, 1 reproductor U-matic, 13 monitores, un reproductor de sonido y un mando a distancia. Así, Zapping Zone se dividía en diferentes partes denominadas por Marker como Zonas (Zones): Zone Matta, Zone Christo, Zone Tarkovski, Zone Clip, Zone Frisco, Zone Sequences, Zone Eclats, Zone Bestiaire, Zone Spectre, Zone Tokyo, Zone Berlin, Zone Photos y Zone Tv, cada una de las cuales estaba formada por proyecciones de obras en vídeo realizadas por Marker entre 1985 y 1990 así como por alguna pieza confeccionada a partir de montajes de sus obras cinematográficas. Dado el carácter complejo e itinerante de la obra, la instalación sufrió diversas modificaciones, añadidos, remontajes de diversas piezas, sustituciones, etc... desde su creación inicial en 1990 para la exposición Passages de l'image que tuvo lugar en el Centro Pompidou de París hasta su finalización en 1997. La instalación Zapping Zone, ya desde su nombre alude al carácter de obra desbordante de imágenes y sonidos con los que el espectador es en un primer momento aturdido, pero que busca, como en la obra anteriormente comentada, Silent Movie, que el observador haga su propia selección de sensaciones e imágenes a partir de ese supermercado audiovisual, y contruya su Zona personal y única haciendo "zapping" con el material de Marker. Volviendo a la pieza del título, Matta es un acercamiento en clave documental a la figura de Roberto Matta con la excusa del recorrido por una exposición del artista. Matta '85 Parte 1
Matta '85 Parte 2
Tarkovski '86 Esta es otra de las piezas de la instalación Zapping Zone. Anterior al retrato documental de 1999 Un día en la vida de Andrei Arsenevich, comparte con él el respeto y la admiración por su amigo el director Andrei Tarkovski, y condensa en 26 minutos fragmentos de la vida y la obra de un personaje en constante lucha consigo mismo y la dificultad para sacar adelante obras como Sacrificio. Tarkovski '86 Parte 1
Tarkovski '86 Parte 2
Tarkovski '86 Parte 3
Para finalizar este (primer) acercamiento a la obra multimedia de un gran desconocido para la mayoría, recomiendo la lectura de la obra Mystere Marker. Pasajes en la obra de Chris Marker editada en 2006 por Maria Luisa Ortega y Antonio Weinrichter con motivo del Festival Intenacional de cine de Las Palmas, del que he extraído valiosa información y que sirve para entender una obra tan fascinante como extensa, de un hombre cuya biografía es tan misteriosa y abstracta como su obra.
El fin del género de los Beach Party films lo puso esta película, The Ghost In The Invisible Bikini (Don Weis, 1966), cuyo principal interés residía, por un lado, en la presencia de estrellas consagradas como Boris Karloff o Basil Rathbone y figuras emergentes como Quinn O'Hara o una Nancy Sinatra pocos meses antes de triunfar gracias a hit These Boots Are Made For Walking, y por otro, en las actuaciones musicales de Bobby Fuller Four, Nancy Sinatra o Piccola Pupa que van salpicando la película y que terminan definiéndola como una comedia musical de terror.
Bailes playeros (o más bien piscineros) de colores pastel para cinturas resistentes... Bobby Fuller Four - Swing A-ma Thing
Más actual de lo que jamás hubiera podido imaginar Peter Watkins, Punishment Park se encuadra en el campo del falso documental que observa casi de manera microscópica a una sociedad en constante lucha consigo misma, que delimita a dos tipos de personas : los débiles y los fuertes. Los primeros, la sociedad civil en desacuerdo con determinadas acciones de su gobierno, y los segundos, los poderes políticos y legislativos que no ven más allá de sí mismos y que usan, principalmente a través de la mano ejecutora de la policía y el ejército, la represión tanto física como de pensamiento para imponer su propio orden moral y social. Punishment Park es improvisación, es cinema verité, es crítica, es amateurismo, es un ataque a los poderes fácticos norteamericanos por parte de un británico, es cámara al hombro, y es sobre todo una bofetada en la cara del espectador que intenta provocar una respuesta sacándole de su ensimismamiento. Invita a pensar y a actuar, y no siempre en este mismo orden. Y claro, en 1970, todo esto es visto a través de los ojos de una sociedad norteamericana inmersa en una guerra que no había elegido, la de Vietnam, que ya estaba alargándose demasiado tiempo y que se debatía entre los defensores de una guerra que había que vencer a toda costa porque eso implicaba la derrota del comunismo, y los detractores de una guerra que no conseguía nada más que rellenar demasiados huecos en los cementerios.
Es éste el punto de partida de la película de Watkins. En este entorno de hostilidad ciudadana, con Richard Nixon ordenando bombardeos indiscriminados y secretos en Camboya, mientras se topa de bruces con grupos antibelicistas en constantes manifestaciones contra el gobierno, el presidente norteamericano decide declarar el estado de emergencia y aplicar la Ley de Seguridad Nacional de 1950 (también conocidad como Ley McCarran o Ley de Control de Actividades Subversivas, y que, instituída en plena guerra fría, establecía la posibilidad sin contar con el Congreso, en tiempos de guerra o de emergencia de seguridad interior, de detener y según los casos deportar a cualquier persona ante la sospecha fundada o infundada de actividades peligrosas, desleales para su país, o subversivas contra el gobierno. Con el paso del tiempo algunos de los puntos de la ley han sido declarados inconstitucionales pero hay otros que.. ejem, 57 años después, parece que siguen funcionando igual de bien). La consecuencia de ésto es que los arrestos se suceden entre los miembros de los movimientos feministas, objetores de conciencia, defensores de los derechos civiles, grupos pacifistas y universitarios inquietos. Lo que vemos entonces en la película es cómo un equipo de cineastas británicos y alemanes decide filmar los pasos de los arrestados, y sigue a dos de de estos grupos, el Grupo 637 y el Grupo 638 hasta el Parque Nacional de Castigo Bear Mountain. Mientras que a los primeros, el Grupo 637, se les promete la libertad si logran escapar en tres días, sin agua ni víveres, de los agentes que los persiguen y alcanzan un objetivo, una bandera situada a 85 kilómetros de su posición de partida, a los segundos, el Grupo 638, se les juzga partiendo de antemano de su culpabilidad por opositores a la guerra de Vietnam, y se ven sometidos a un acoso y derribo sin posibilidad de demostrar su inocencia. El argumento, hasta cierto punto, resulta familiar, verdad?
La película fue rodada en el desierto de San Bernardino, concretamente en El Mirage Dry Lake, a unos 100 km de Los Angeles (California) en condiciones prácticamente minimalistas, con un presupuesto rondando los 90.000 dólares , actores no profesionales y afines a las ideas antibelicistas que representaban en el film o con pasado en las fuerzas de seguridad para los papeles de policía, un equipo de filmación de ocho personas, y filmada en 16mm e inflada posteriormente a 35mm. Para aportar mayor dramatismo y realismo a las imágenes, la película fue tratada para desaturar los colores y eliminar cualquier traza de realce de bordes en las siluetas, difuminando las formas.
Resulta curioso leer un trozo de una crítica aparecida en el New York Times en octubre de 1971 después de su estreno en el Festival de Cine de Nueva York : "una visión extravagante y paranoica de lo que podría ocurrir en los Estados Unidos en los próximos cinco años...". Y añado yo, "y treinta años después, si me apuras...". Me quedo con la parte final de un artículo que Scott Mcdonald, profesor de cine e historiador escribió para Film Criticism : "Puede que la objeción más frecuente de las que se esgrimen contra Punishment Park implique a su vez la sensación de que Watkins no es lo bastante optimista. (...) Es obvio que piensa que debemos empezar a hablar de nuestros problemas y a hacer frente a lo inadecuado del pensamiento con que solemos manejarlos. Si no somos capaces de hacerlo en los momentos en que los acontecimientos no nos someten a una presión directa, mal podremos luchar cara a cara con las consecuencias de nuestras evasiones".
La película está en inglés sin subtítulos, pero merece mucho, mucho la pena. Para evitar que la página pese demasiado al insertar los vídeos (son diez) directamente en ella, pongo un enlace a cada parte de la película que alguien ha subido recientemente a youtube.
Punishment Park (Peter Wakins, 1970) Partes : 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9 y 10 Material extraído, entre otras fuentes, del interesantísimo libro Peter Watkins. Historia de una resistencia de Angel Quintana, editado para la edición 42ª del Festival de Cine de Gijón. Nota : Dada la política en las últimas fechas de youtube, recomendaría a todo aquel que esté interesado, que aproveche cuanto antes para darle un visionado porque no creo que dure demasiado..
Francisco Raúl Gutiérrez Grillo, más conocido como Machito, fue una de las voces fundamentales del jazz afrocubano y, junto a su amigo y compañero Mario Bauzá, impulsó durante más de 35 años el sonido clásico y primitivo de jazz latino orquestal en la ciudad de Nueva York, ciudad en constante evolución musical que ha visto pasar mil y una reencarnaciones del jazz latino. El documental, algo recortado en su duración, tiene partes habladas en castellano subtituladas en inglés y otras habladas en inglés sin subtítulos, pero no resulta difícil de entender y es una buena manera de adentrarse en este sonido y ver a gente como Dizzy Gillespie, Dexter Gordon o Ray Barretto. Más información aquí. Machito: A Latin Jazz Legazy (Carlos Ortiz, 1987) Parte 1
Linda Harrison Pocas veces ocurre que un actor o una actriz llegue a ganarse un hueco en la memoria colectiva gracias a un papel de una sola palabra. Grandes resultados con poco esfuerzo. Ese es el caso de Linda Harrison en su papel de Nova en El Planeta De Los Simios ("Planet of the apes", Franklin J.Schaffner, 1968) y Regreso Al Planeta De Los Simios ("Beneath the planet of apes", Ted Post, 1970). Pero vayamos al principio de la historia.
Linda Harrison nació en Berlin, Maryland el 24 de julio de 1945. Sus primeros pasos, gracias a su físico imponente de cuerpo bronceado, grandes ojos, larga melena negra y sonrisa permanente, fueron como modelo en concursos de belleza, granjeando un buen puñado de éxitos como Miss Berlin con dieciocho años recién cumplidos (este primer éxito le dió la oportunidad de alternar su carrera como modelo en Nueva York con los estudios de interpretación), Miss Ocean City y Miss Maryland en 1965, o su puesto como finalista en el concurso Miss American Pageant of Long Beach, California, lo que le llevó a concursar a nivel nacional en Miss USA con 20 años. Y fué en este gran escaparate mediático donde la casualidad quiso que un agente de Hollywood que pasaba por allí quedase prendado de esa morena de aire ligeramente mestizo que destacaba por encima de las demás concursantes oxigenadas y excesivamente voluptuosas tan del gusto americano. Así, y tras pasar unas cuantas pruebas de cámara en los estudios de la Fox, obtuvo un minúsculo papel en un par de capítulos de la serie Batman en 1966. De ahí a Hollywood hubo tan sólo un paso, ya que su debut cinematográfico se produciría en su siguiente papel, también minúsculo por otra parte, en la película The Fat Spy (Joseph Cates, 1966), producto puramente camp a mayor lucimiento de Jayne Mansfield. Mientras alternaba papeles en cine y televisión, sus apariciones se hacían cada vez más notables, compartiendo papel (muy muy secundario) con Jerry Lewis y Connie Stevens en Un Chalado En Órbita ("Way... Way Out", Gordon Douglas, 1966), con Walter Matthau en un papel de cinco minutos como rubia oxigenada (?) en la comedia de éxito Guía Para El Hombre Casado ("A Guide for the Married Man", Gene Kelly, 1967), y participando en una prueba de cuatro minutos para un piloto en clave cómica (a la manera de ese éxito en televisión llamado Batman) de la serie Wonder Woman en la que hacía de Wonder Woman (o más bien de su reflejo en un espejo) y que nunca consiguió la aprobación de los estudios Warner para su emisión. Y entonces llegó el papel que la convertiría en estrella de culto: Nova en El Planeta De Los Simios (1968). Simplemente tenía que estar callada, aparecer con una mezcla de miedo y fascinación por la actitud de Charlton Heston, y dejar que la acción se desarrollase a su alrededor. Así explicaba ella su papel en un especial de televisión sobre la película en 1999 : "Creo que actué de forma instintiva con el personaje. Pensaba en los instintos animales : la manera de moverse y la manera de reaccionar sería la manera en la que reaccionaría un animal, desde el miedo." La película llegó a recaudar 26 millones de dólares y fué nominada en los Oscars a Mejor Banda Sonora y Mejor Vestuario y ganó un Oscar especial por el maquillaje de los simios.
El éxito de la película y la fama inherente que conlleva, le reportó un pequeño pero habitual papel en la serie Bracken's World, y, después de su boda con el productor Richard Zanuck, retomó el papel de Nova en la secuela de los simios, Regreso Al Planeta De Los Simios (1970) donde tenía que lidiar con James Franciscus que hacía de astronauta en busca del personaje de Heston. Lo reseñable de su papel en esta secuela es que por fin logró que su personaje tuviese una línea de diálogo, bueno, más bien una palabra : "Taylor!". Poco después se retiró de los escenarios para cuidar de sus dos hijos, pero su retiro no duró demasiado y cuatro años después reapareció bajo otro nombre, Augusta Summerland, en una de las secuelas de la saga Aeropuerto, concretamente en Aeropuerto 75 ("Airport 1975", Jack Smight, 1974) y casualmente junto al actor que la consagró, Charlton Heston. De ahí en adelante sus apariciones han sido más bien puntuales (su divorcio de Richard Zanuck en 1978 la separó de Hollywood también), destacando su papel en Cocoon (Ron Howard, 1985) y su secuela tres años después, Cocoon:El regreso ("Cocoon:The Return", Daniel Petrie, 1988) así como el cameo en el remake (por decir algo) de El Planeta De Los Simios ("Planet of the apes", Tim Burton, 2001). Actualmente vive en Maryland, está planeando escribir una autobiografía y asiste habitualmente a convenciones de cine de ciencia ficción donde es reconocida como uno de los iconos de la ciencia ficción de todos los tiempos. En sus memorias siempre podrá contar que estuvo a punto de participar como actriz protagonista en la película Tiburón ("Jaws", Steven Spielberg, 1975) ya que su marido, Richard Zanuck, era el productor de la película y presionaba a Spielberg para que el papel fuera para ella. Finalmente el papel le fue arrebatado por... Lorraine Gary, casualmente la mujer de Sid Sheinberg, cabeza visible de Universal y jefe de Zanuck. Es lo que tiene ser el jefe... Para la historia queda este fragmento de 5 minutos nunca emitido de Wonder Woman.
Recogiendo un montón de libros que estaban apilados en un rincón, he encontrado este libroplagado de fotos y colorines varios que me da pie a hablar sobre algunas actrices desconocidas para el gran público pero que vivieron su momento dorado en la década de los 60.
Yvonne Craig En los años 60 fue inevitable no tropezarse con el nombre de esta pizpireta morena nacida en Taylorville, Illinois en 1937 en decenas de programas de televisión y películas en los que destacaba por su actuación enérgica, su gestualidad cómica y un físico atlético ganado a pulso gracias a sus estudios de bailarina de ballet desde los diez años. Su carrera artística se inició en la danza, llegando a formar parte del Ballet Russe de Alexandra Danilova en 1954 y que abandonó tres años después por graves diferencias con Danilova. Así que desencantada con el mundo de la danza, decidió mudarse a Los Angeles para encauzar su vida hacia el mundo de la interpretación. Su primera aparición en pantalla tuvo lugar en la película Eighteen And Anxious(Joe Parker, 1957) en un pequeñito papel que le abrió las puertas para participar en papeles secundarios en series como Perry Mason, Bronco, Philip Marlowe y en películas como The Gene Krupa Story (Don Weis, 1959), o High Time (Blake Edwards, 1960), donde el peso específico de su papel era mayor y que le dió la oportunidad de conocer al actor-cantante Jimmy Boyd, con el que se casó poco después. A pesar de que el matrimonio sólo duraría un par de años, esta relación le serviría para su plena integración en la industria, consiguiendo encadenar un buen puñado de papeles en series de televisión (The Dick Powell Show, 77 Sunset Strip, Dr.Kildare, El Agente de CIPOL [The Man From U.N.C.L.E.] o Mi marciano favorito, entre otras), así como papeles en las películas de algunos de los grandes ídolos de la época como Puños y lágrimas ("It Happened At The World's Afair", Norman Taurog, 1963) y Kissin' cousins (Gene Nelson, 1964) con Elvis Presley o Ski party (Alan Rafkin, 1965) con Frankie Avalon. Pero donde realmente alcanzaría la consagración sería en su papel de Batgirl en la serie Batman, y a pesar de haberse incorporado en la última temporada de la serie, aún sigue siendo su papel más recordado. Su debut tuvo lugar el 14 de septiembre de 1967, y en él encarnaba a Barbara Gordon, una bibliotecaria hija del jefe de policía, James Gordon, que tenía una personalidad secreta, Batgirl. Batgirl era una superheroína motorista, de capa ondeante, botas altas y aliada de la pareja(sic) protagonista de la serie Batman y Robin, y combatía a los villanos de turno que solían aparecer para incordiar la apacible vida en Gotham. Gracias a la experiencia de Yvonne en la danza, Batgirl destacaba por su agilidad, su carácter fuerte y por su capacidad de repartir patadas a todo el que se le cruzara por delante (se dice que estaba impuesto en su contrato el hecho de que su defensa y ataque fuese a través de patadas y no de los puños), además de que haber trabajado sin cesar en los años anteriores tanto en cine como en televisión le había servido para ganar confianza en la pantalla, por lo que rápidamente consiguió la simpatía de las espectadoras televisivas de la época que veían en ella un modelo a seguir gracias a su facilidad para aunar en su personaje dulzura, personalidad, sensualidad, firmeza y chispa. Tal fue el éxito del personaje que se barajó la posibilidad de hacer un spin-off de Batgirl una vez finalizada la emisión de Batman, pero nunca se llegó a concretar y el proyecto terminó perdiéndose en el limbo de los programas de televisión. Tras este papel continuó con trabajos esporádicos tanto en cine como en televisión, pero su estrella se fué apagando y a pesar de haber participado con papeles secundarios en series de renombre a finales de los 60 (Star Trek), y durante todos los años 70 (El hombre de los seis millones de dólares, Starsky y Hutch, Mannix o Kojak) sus papeles nunca fueron tan aplaudidos como el de la chica murciélago y acabó retirándose del mundillo televisivo en 1983 con la serie La isla de la fantasía y del cinematográfico en 1990 con la película Diggin' up business (Mark Byers y Tom Pardew, 1990). En la actualidad tiene su propio negocio fuera del mundo de la interpretación (se dedica al negocio inmobiliario) y al mismo tiempo mantiene actualizada su página personal en internet. Como dato curioso cabe destacar que, a pesar de no ser el prototipo de bomba sexual de esa época, figuró durante una buena temporada en los primeros puestos de actrices más atractivas posiblemente debido a su apariencia frágil y sensual al mismo tiempo, como de "vecinita de enfrente" capaz de enfundarse un traje de vinilo y combatir junto a Batman, o embutirse un vestido y hacer de campesina en el salvaje oeste. Para terminar, si tuviera que recomendar algo en su filmografía: como debilidad personal recomendaría The Gene Krupa Story, porque para mí es uno de los "bateristas" más importantes de la música y porque Sal Mineo encarna con credibilidad un personaje en constantes altibajos; y como representación del trabajo de Yvonne, la tercera temporada de Batman porque es donde realmente se puede lucir artísticamente. Esta es una pequeña recopilación de fragmentos del personaje que la hizo famosa, Batgirl.
Un plano-secuencia de 7.22 minutos de Jean-Luc Godard en la película Week-end. Sí, después de ver la película uno sigue sin entender cual es la finalidad del plano, pero bueno..
Cineasta norteamericano al margen de cualquier moda, discípulo aventajado de Aleister Crowley y escritor conocido sobre todo por escudriñar las catacumbas del Hollywood clásico relatando asesinatos, perversiones, líos de faldas y de pantalones de algunos de los más importantes actores, actrices, productores, directores, guionistas y demás fauna de la meca del cine, en la forma de los dos volúmenes de Hollywood Babilonia. La figura de Crowley, y su gran conocimiento de las magias ocultas son fundamentales en su forma de ver el cine, llegando a afirmar que ver sus películas es como acudir a ceremonias capaces de invocar fuerzas espirituales, primigenias, diríase demoníacas. "Mi razón para filmar no tiene nada que ver con 'el cine' en absoluto. Es una excusa para capturar personas... Me considero a mí mismo como un trabajador del diablo en un medio diabólico. El cine es una fuerza maligna". Su trabajo, de carácter subversivo en muchos aspectos, es importante también en la representación y defensa del cine homosexual, no como representación de tópicos y clichés amanerados, sino como creación de una fuerte identidad homosexual que implica lucha por su reconocimiento, que implica cambios en formas de pensar adocenadas, y que implica acción en un medio que puede llegar a mucha gente. Esa forma particular de ver el cine le llevó a a ganarse el reconocimiento de Jean Cocteaugracias a uno de sus primeros trabajos, Fireworks (1947), y a colaborar con gente de lo más dispar, desde músicos como Mick Jagger o Jimmy Page, con el que tuvo algo más que palabras debido a la grabación de la banda sonora de su película Lucifer Rising (1970-80), y cuyo trabajo terminó descartando por resultarle inservible (25 minutos de zumbidos y guitarras en reverberación permanente no era lo que se esperaba cuando pidió la colaboración del guitarrista de Led Zeppelin), hasta Bobby Beausoleil, conocido por ser integrante de la familia Manson, que llegó a aparecer en su película de 1969, Invocation Of My Demon Brother, y que terminó grabando finalmente la banda sonora de Lucifer Rising desde la cárcel en 1980. El perfeccionismo y la búsqueda de complejidad narrativa y formal intentando superar el cine ya establecido hacen que muchas de sus obras permanezcan inconclusas, fragmentadas, en forma de retazos de narración, como ensoñaciones sin principio o sin final.
Puce Moment (1949) Duración : 6.21 Es un homenaje de Kenneth Anger, casi una carta de amor heterosexual, a sus diosas de Hollywood. Una filmación fantasmagórica del mito de Hollywood.
La Lune Des Lapins (Rabbit's Moon 1950-79) Duración : 6.52 Ésta fue la primera película de Anger desde que se trasladó a París en 1950 a petición de Cocteau. Empezada a rodar ese mismo año, rápidamente se quedó sin dinero para continuar con ella, y quedó abandonada en la Cinemateca Francesa durante 20 años, hasta que en 1972 la recuperó y volvió a editarla con una duración de 16 minutos y una banda sonora repleta de temas pop de The Flamingos, The Dells, The Capris y Mary Wells. Finalmente, en 1979 volvió a editarla, acortándola hasta los 7 minutos y con música de Andy Arthur. El argumento es un sueño lunar que utiliza la figura clásica de Pierrot.
Kustom Kar Kommandos (1964-65) Duración : 2.31 Fragmento de un proyecto finalmente abandonado por falta de recursos y por la muerte del actor principal. Pretendía ser un conjunto de visiones oníricas del fenómeno juvenil californiano en esa época, los coches con motores customizados preparados para hacer carreras, lo que popularmente se denomina "hot-rod".
Una recopilación en 4 minutos y medio de las criaturas animadas más importantes creadas por Ray Harryhausen. Maestría, talento y genialidad. Un consejo : Es recomendable reproducir el vídeo sin sonido porque la percusión latina con Harryhausen como que no...
Quinto fragmento de Las Brujas (Le Streghe, 1967), película, o más bien colección de fragmentos, producida por Dino de Laurentiis a mayor gloria de su esposa Silvana Mangano que se convierte en protagonista absoluta de las cinco partes (La strega bruciata viva de Luchino Visconti, Senso civico de Mauro Bolognini, La terra vista dalla luna de Pier Paolo Pasolini, La siciliana de Franco Rossi y Una sera come le altre de Vittorio de Sica).
Este último fragmento llamado "Una noche como las otras" está dirigido por Vittorio de Sica y protagonizado por Clint Eastwood en un papel cuasi de comedia romanticona, fuera de los roles en los que estaba embarcado en aquella época, principalmente sus trabajos con Sergio Leone. Aquí Eastwood encarna al marido de la protagonista, Silvana Mangano, un ama de casa cansada de su vida conyugal monótona que intenta que su marido se dé cuenta de que ya no es tan romántico como era tiempo atrás, y todo ello impregnado de gags y de ambientes pastel. Aviso : Está en inglés sin subtítulos Parte 1
Capítulo en inglés sin subtítulos perteneciente a la serie documental "Cinéma, de notre temps" (anteriormente llamada "Cinéastes de notre temps") en la que se hace un retrato de algunos de los directores más personales del siglo XX como Luis Buñuel, Jean Vigo, Erich Von Stroheim, Carl Theodore Dreyer, Hou Hsiao-Hsien, Takeshi Kitano o Philippe Garrel. En este caso es Chris Marker el que se encarga de dar su visión de su buen amigo Andrei Tarkovsky poco antes de morir en 1986, y que en ese momento estaba terminando de rodar y montar su película "Sacrificio". Además, hace un recorrido por su filmografía incluyendo material inédito como una versión casi desconocida en su carrera de "Boris Godunov" y relaciona su obra con la de otros directores, así como muestra el marco en el que tenía que desenvolverse Tarkovsky para rodar debido a sus malas relaciones con las autoridades soviéticas. Parte 1
Werner Herzog haciendo lo que mejor sabe hacer, mezclar realidad y ficción. Werner Herzog eats his shoe (1980) Este corto-documental dirigido por Les Blank narra exactamente lo que su propio título indica, que Werner Herzog apostó con Errol Morris que se comería uno de sus zapatos si éste no era capaz de filmar un documental medianamente interesante sobre cementerios de animales. El resultado del trabajo de Errol Morris se llamó Gates of Heaven, así que, reconociendo Herzog su derrota, decidió hablar con Les Blank para montar este semidocumental y, usando toda la historia de su zapato como telón de fondo, intenta crear una artificiosa divagación de esas que tanto le gustan al alemán. Curiosa pero no demasiado interesante más allá de la anécdota. Parte 1 (5.52)
Parte 2 (6.27) Parte 3 (7.15)
Ten Thousand Years Older (2002) (10.53) Fragmento dirigido por Werner Herzog perteneciente a la película coral Ten Minutes Older : The Trumpet en la que 7 directores (Chen Kaige, Victor Erice, Werner Herzog, Aki Kaurismaki, Jim Jarmusch, Spike Lee y Wim Wenders) dan su visión particular, en 10 minutos de película, sobre el paso del tiempo. En el caso de Herzog, es una pequeña muestra de cómo la civilización está acabando con la naturaleza y el Amazonas, y para ello analiza el encuentro entre una de las últimas tribus perdidas del Amazonas y un grupo de expedicionarios documentaristas, y las consecuencias de ese encuentro 20 años después.
Cortometraje (en francés sin subtítulos) de 1966 rodado para un especial navideño del programa de la televisión francesa Dim Dam Dom en el que participan, entre otros, Serge Gainsbourg, Chantal Goya, Sylvie Vartan, Jacques Dutronc, Guy Marchand, Marie-France Boyer y Georges Ulmer. Noël a Vaurigard Parte 1 (Duración 5.57)
Pionero del ficcio-documental o de la docu-ficción, como se prefiera llamar, Peter Watkins se convirtió, con este falso documental, en una molestia para todas las mentes bienpensantes que confiaban en él como cineasta de gran valía, después de haber demostrado su buen hacer en su anterior trabajo, "Culloden", para la BBC,y en el que, usando un estilo casi amateur con cámaras ligeras que daban la sensación al espectador de estar dentro de la acción del film, había documentado la Batalla de Culloden de 1746. De la noche a la mañana pasó de ser una joven promesa con una visión diferente de afrontar los documentales en televisión, a estar censurado y prohibido por la BBC bajo presiones de altos cargos del Ministerio del Interior, y verse involucrado en una serie de mentiras y manipulaciones por parte de dicha cadena para justificar así la censura y marginación de su obra. La película retrata un hipotético bombardeo nuclear en la ciudad de Rochester (Kent), el caos anterior provocado por la evacuación forzada de la ciudad en medio de un desconocimiento de las posibles consecuencias de una guerra de esas características, y la lucha posterior de los escasos supervivientes para adaptarse a una nueva situación en un mundo radioactivo, herido en sus estructuras arquitectónicas y sociales. Cine apocalíptico y social que resulta terrorífico, porque después de 40 años, la guerra fría ha desaparecido, la sociedad ha evolucionado?!, pero las posibilidades de acontecimientos como éste son tan cercanas y reales como eran años atrás. Parte 1
Daniele Huillet y Jean-Marie Straub eran un matrimonio peculiar. Prácticamente desde que se conocieron comenzaron a hacer cine, y, al poco tiempo, asumieron casi todos los roles de la producción de su obra, es decir, dirección, producción, fotografía, montaje y sonido. Esa independencia adquirida les permitió hacer un cine fuera de los circuitos de los estudios cinematográficos y asumir una serie de riesgos que, de otra manera, les habría sido imposible llevar a cabo. Algunos de los rasgos de su cine son: adaptaciones de textos literarios con importantes trasfondos políticos, renunciar a trabajar con actores profesionales escogiendo ellos mismos a gente de su entorno, uso y abuso de planos secuencia,y tomas directas de sonido sin post-producción ni redoblajes en estudio, entre otros. Por todas estas razones, han sido considerados como padres del nuevo movimiento de cine alemán que tendría en sus máximos exponentes a Rainer Werner Fassbinder y a Werner Herzog. Este cortometraje es la historia de un niño que decide "mandar a la mierda" a su profesor y lo que él representa, y está basado en un relato de Margerite Duras.
Esta es una verdadera pieza de coleccionismo audiovisual gracias a las grabaciones que Jean Rouch realizó a lo largo de sus viajes por África y que le sirvieron para hacer un estudio en profundidad sobre antropología visual. La obra en sí es muy simple. Es un cortometraje en un único plano secuencia sobre un ritual de posesión en Níger que, sin embargo, sirve para ver cómo el trabajo de Jean Rouch a pie de campo ha sido pionero en muchos de estos trabajos que posteriormente se han dado en llamar "cinèma verité". Una cámara ligera, casi portátil, sirve para adentrarse en las tribus, para filmar y observar casi en primera persona todo lo que allí acontece y que para muchos es desconocido. Rituales, músicas tribales, danzas, vestimentas, lenguajes, etc.. todo ello conforma un trabajo etnográfico que nos acerca a una manera diferente de hacer cine. Manipulador para unos, genio documentarista para otros, ésta es una pequeña muestra de su cine.
